LA MUSICA Y LOS INSTRUMENTOS MUSICALES   DEL HOMBRE PRIMITIVO Y DEL HOMBRE ACTUAL 1.- ORIGEN DE LA MUSICA Y LOS INSTRUMENTOS MUSICALES El lugar y el momento en que nació la música es uno de los misterios de la historia, pero se cree que es tan remota como el hombre y que surgió como una necesidad del hombre de expresar sus estados y emociones por medio de una expresión sonora,. Se cree que la música y los instrumentos musicales aparecieron para imitar algunos sonidos de la naturaleza (canto de las aves, truenos, etc.) o para se comunicarse con sus dioses por medio de sonidos distintos a su lenguaje en sus creencias religiosas Estos sonidos los hacían con la voz  y rústicos instrumentos por ejemplo para apaciguar la ira de los dioses o para alejar a los espíritus malignos cantaban, bailaban y hacían toques con  instrumentos primitivos. No se puede precisar cuando el hombre comenzó a elaborar estos accesorios, que en un principio sólo le permitieron producir ruidos y sonidos con un fin imitativo , mágica  o ritual  peo que después se fueron convirtiendo en el medio para realizar música. La idea de construir  un instrumento para producir sonidos  empieza con los ruidos o sonidos que el hombre hace con su propio cuerpo: la voz, el silbido, el entrechocar de palmas, el golpe con los pies sobre el suelo y el golpe con las manos sobre el tórax, los muslos y en otras partes del cuerpo, son los primeros antecedentes de los instrumentos musicales. Después, el ingenio humano fue creando y desarrollando una gran cantidad de instrumentos  que desde los tiempos más remotos, se fueron perfeccionando hasta alcanzar hoy un nivel de gran calidad técnica y artística. La enorme variedad instrumental provocó la necesidad de establecer un orden o clasificación,  la más sencilla los divide en tres grupos: •    Instrumentos de Percusión •    Instrumentos de viento (o aire) •    Instrumentos de cuerdas Otra clasificación los agrupa según el medio o material con que se produce el sonido: •    Ideófonos : el sonido es producido por el mismo material con que está hecho. •    Cuerdófonos. el sonido es producido por el rasguido de cuerdas •    Membranófonos:. el sonido es producido por una membrana •    Aerófonos: el sonido es producido por el aire MÚSICA E INSTRUMENTOS DE LA PREHISTORIA Es casi seguro  que el hombre empezó en materia de instrumentos con la percusion y el aire, a traves del golpe con sus palmas y su propia voz, para comenzar a desarrollar sus primeros y rudimentarios instrumentos Música e Instrumentos del Paleolítico El hombre prehistórico dependía de las fuerzas de la naturaleza para poder vivir porque le suministraba comida, agua, calor, refugio y lo proveía de todo lo que necesitaba para su subsistencia. Para llamar a esas fuerzas naturales para que lo ayudara o para defenderse de ellas cuando se sentia amenazado, el hombre primitivo se valía de ritos mágicos, que acompañaba de cantos, toques de instrumentos y danzas sencillas. El hombre empieza a desarrollar la música primitiva, acompañandose con su voz, con palmoteos, golpes en el suelo y también con los primeros instrumentos que su imaginación les permitió crear. Los instrumentos musicales del hombre primitivo sólo producían ruidos y su sonoridad estaba destinada a influir sobre los espíritus atrayéndolos o alejándolos según las necesidades del momentos. Los materiales de sus instrumentos eran de origen natural como piedras, palos, caracoles, huesos, fibras naturales y trozos de madera. Descubrieron que con trozos de caña podian producir nuevos y mejores sonidos y tambien es probable que el hombre primitivo al fabricar sus arcos para disparar flechas se diera cuenta que con la cuerda tensada  producía un sonido particular y que cuanto mas corta era la cuerda mas agudo era el sonido, dandoles la idea de construir un instrumento musical (arco musical). Los instrumentos musicales del paleolítico fueron: Ideófonos: Tambor de hendidura: Era un trozo de árbol al que se le hacía una estrecha hendidura.donde se frotaba un palo o una varilla y producía ruidos. Se encuentra actualmente en muchas culturas tribales. Palos, Maracas construidas con frutos (calabazas), raspadores de madera , cascabeles (vainas secas) y sonajas. Membranófonos.: Tambores de un solo parche, que era un trozo de árbol ahuecado cubierto con una membrana de fibras vegetales tensada. Cordófonos: arco musical, construido como el arco de caza pero con cuerdas mas cortas Aerófonos: cuernos, flautas de caña sin agujeros, caracoles. Música e Instrumentos del Neolitico En el año 800 aC.,  el hombre se hace sedentario, conoce la semilla , aprende las técnicas de cultivo, domestica animales  y se libera de la naturaleza porque ve que puede enfrentarlas entonces tiene ratos libres que el hombre empieza alegrar con música. También existe una relación entre la música y la agricultura, porque realizaban ceremonias acompañadas de música para pedir buenas cosechas, lluvias, o para agradecer el éxito de las tareas agricolas. Muchos de estos ritos se realizaban cantando, bailando y acompañandose con instrumentos. A los materiales anteriores, agregaron las cañas y las semillas como así también cueros y pieles, y algunos accesorios de cerámica para la construcción de instrumentos. Los instrumentos utilizados en el neolitico son : Se agregan a los anteriores: Ideofonos Tubos de bambú, golpaedos contra el suelo Campanas naturales Litófonos, que eran instrumentos construidos con planchas de piedra de distinto tamaño que se colgaban de un armazon de madera y se golpeaban con un palo. Es como un xilofón primitivo Membranófonos.: Tambores de dos parches, que era un trozo de árbol hueco  y se le cubrían con  una membrana las dos puntas Mirlitón, que era un resonador construído con una membrana que se colocaba sobre la boca y distorsionaba la voz � Cordófonos:  sigue el arco musical, Aerófonos: Flauta de caña con agujeros Flauta de pan: serie de cañas huecas con el extremo inferior tapado y sujetas entre sí , con los agujeros superiores donde se sopla. (siku) Flauta de caña con un solo agujero lateral parecida a la flauta travesera. Música e Instrumentos en la era de los Metales Cuando el hombre adquiere la técnica del metal aumenta su capacidad para realizar distintos accesorios y utensilios Musicalmente continuan las danzas y cantos en los ritos a los dioses y ahora tambien en los funerales, y le dan a la musica un fin liturgico- religioso mas importante. La característica de esta epoca es que aparecen los instrumentos de metal, que imitan a los que ya tenían pero mas perfeccionados. Tienen mejor sonido y son mas faciles de ejecutar. Aparecen las campanas de hierro o bronce, los carrillones primitivos que son conjuntos de campanas de distinto tamaño y sonido combinadas, cascabeles metálicos, tambien aparecen las primeras arpas y liras rusticas. Música e Instrumentos de la Actualidad El hombre actual ha ido evolucionando mucho con el correr de los años en sus deseos, necesidades y cultura . En la actualidad la musica, tiene para el hombre muchos fines porque la utiliza en casi todos los actos de su vida, religiosos, militares, sociales, educativos, deportivos, domesticos, y su interes por la musica es distinto porque el hombre disfruta de la musica y con ella expresa tambien sus estados de animo y emociones La música acompaña la vida del hombre, que se convirtío en un gran “oyente”, la interpreta, la estudia y la incorpora a todas sus actividades. Hoy se escucha musica clásica, folclorica, popular como el tango, musica de cuarteto, melodica, musica religiosa, etc. Mucha musica alegre, divertida y pegadiza El mundo de los instrumentos musicales del hombre actual es muy importante porque cuenta con gran cantidad de materiales y tecnologias que han hecho posible la construcción de instrumentos cada vez mas perfeccionados que no solo emiten sonidos agradables, melodicos y armoniosos sino que tambien hay algunos capaces de reproducir todos los instrumentos de una orquesta  como los instrumentos electrónicos y los sintetizadores han creado toda una nueva serie de sonidos. Actualmente se utilizan muchos instrumentos, los mas comunes desde hace varios años son Instrumentos de cuerdas: Tienen su origen en el arco y la flecha y el sonido se produce cuando una cuerda tensa es puesta en vibración.  Pueden ser Cuerdas Punteadas ( con los dedos o con •uñas”) como el arpa, la guitarra, laúd, clave, mandolina, citaras, etc. Cuerdas Percutidas ( con pequeños martillos) como el piano y clavicordio Cuerdas Frotadas (con arco) como violín , viola, violoncello , contrabajo Se construyen con diversas maderas (arce, abeto, ebano) y las cuerdas son de tripa de cordero revestidas en plata o cobre. Actualmente algunos instrumentos tienen cuerdas de materiales sintetícos Todos estos instrumentos poseen una caja de resonancia y en algunos unida a un mastil o mango donde se extienden las cuerdas Instrumentos de viento: Son aquellos cuyo sonido es el resultado de la vibración de una columna de aire que pasa por un tubo Se clasifican : Maderas: Flauta travesera Originariamente era de madera pero hoy se construye metal (plata). Tiene un sonido dulce. Tambien hay flautas rectas (flauta dulce),traversas(travesera, flautín), ocarinas, sikus, etc Metales: Son construidos en bronce, tienen sonido “chillón” o estridente. tienen un tubo cónico o cilindrico que acaba en forma de pabellon. Tienen valvulas o varas (ttombón). Algunos tienen una parte del tubo enrollada. Corneta Trompa Trompeta Tuba Trombón Otros instrumentos aerófonos que son órgano, armonio, armonica, gaita, acordeón y bandoneón Instrumentos de percusión: Son aquellos cuyo sonido es el resultado de la vibración de un parche, madera o metal que golpeado con las manos a con un palo. Provienen de los antiguos membranofonos Son: Timbales xilofón, marimba, vibrafono, campanas, bombo, tambor, triangulo, platillo, castañuelas, platillos, gong, pandereta, caja o redoblante, bongó, timbal, etc. Instrumentos combinados: Se destaca: el carrillón , instrumento tradicional en Europa y que tambien existe en nuestro pais. El carrillón es un instrumento compuesto por un juego de campanas que suenen en forma sincronizada, percutidos por martillos que se accionan desde un teclado la batería, es una serie de instrumentos de percusión característicos de una orquesta moderna. Los más significativos son, entre otros, el bombo, los timbales, la caja clara, los platillos, el triángulo, los bloques de madera, los cencerros y las castañuelas. El conjunto de todos ellos lo ejecuta un solo músico. Instrumentos eléctricos y electrónicos: Son instrumentos que son capaces de producir sonidos como lo hacen los tradicionales pero ese sonido es modificado con electricidad. Encontramos la guitarra, el violín, el bajo, la marimba, el órgano entre otros. Los órganos electrónicos fueron muy utilizados por los grupos de rock a partir de la década de 1960 y actualmente lo usan todo tipo de bandas. Los mas perfeccionados pueden reproducir cualquier instrumento clásico y grabarlos para despues ejecutarlos Entre estos instrumentos se destaca el sintetizador, inventado en 1960 y que por sus enormes posibilidades de producir sonidos es uno de los más utilizados, no solo en el campo musical sino tambien en la producción de efectos sonoros especiales (mas de 3.500.000 sonidos). Han utilizado estos instrumentos tanto músicos de formación clásica como grupos de música pop. Éstos serían utilizados cada vez más con propósitos comerciales, desde los anuncios de la televisión hasta la música para películas de ciencia-ficción. Hoy existe una amplia variedad de sintetizadores, capaces de imitar casi cualquier sonido A todo esto hay que agregar las computadoras, que tambien aportan sus notables cualidades en el lenguaje musical, porque pueden crear melodías con “ritmos” pegadizos Con el perfeccionamiento y el avance tecnologico existente, creemos que el futuro musical e instrumental sera realmente apasionante. LAS CUERDAS El violín, la viola el violoncelo (abreviado cello) y el Contrabajo forman la mayor sección de la orquesta. Son la espina dorsal de la misma y generalmente están tocando la mayor parte del tiempo. Básicamente su sonido es producido tocando una cuerda tensada (hecha normalmente de tripa, nylon o metal) con un arco. Este modo de producir el sonido ha hecho que los músicos de cuerdas sean conocidos como "rascadores de tripas de gato", "rasca tripas" o simplemente "los RASCAS", como les llaman sus compañeros de orquesta. La Tripa, de todos modos, procede de ovejas y no de gatos. El tono de cualquier cuerda puede ser alterado, situando un dedo de la mano izquierda (los músicos de cuerdas normalmente son diestros) sobre la cuerda y presionando hacia abajo sobre el dispasón. De este modo la longitud de la cuerda vibrante es acortada y a cuerda más corta, sonido más alto. También se pueden producir notas diferentes, de acuerdo con la relajación, grosor o longitud de la cuerda. Cuanto más corta, más fina y más tensa sea la cuerda; más alta será la nota. A cuerda más larga, más gruesa y más relajada: nota más baja. El arco está hecho de una barra elástica con pelo de caballo extendido a lo largo de la misma. Un arco de violín Las longitudes de los arcos son aproximadamente violín 72 cms., viola 75 cm., cello 72 cms., contrabajo 70 cms Los instrumentos de cuerda pueden ser tocados de varios modos y el glosario siguiente muestra su versatilidad: "Col legno" ("Con la madera") girando el arco de modo que las cuerdas son golpeadas con la madera en vez de con el arco. "Con sordino" ("Con sordina") colocando un pequeño apagador hecho de madera, metal, hueso y otras materias, sobre el puente, éste produce una calidad de sonido velada y suave. "Armónicos", son sonidos aflautados producidos por un toque muy ligero de la cuerda sobre ciertos puntos, en vez de presionarla firmemente sobre la tastiera. "Cuerda cuádruple", presionando cuatro cuerdas a la vez. "Cuerda triple", tocar tres cuerdas a la vez. "Doble cuerda", presionando dos cuerdas a la vez para que las dos notas puedan tocarse juntas. "Glissando", deslizando el dedo arriba y/o abajo de una cuerda mientras se pasa el arco. "Pizzicato", las cuerdas son pellizcadas con los dedos. "Posición", Presionando un dedo (dedos) sobre una cuerda (cuerdas) para cambiar la altura de una nota (notas). "Sul ponticello"(Sobre el puente), se toca con el arco cerca del puente, lo cual produce un sonido cristalino y metálico. "Sul tasto" (En la tastiera), tocar con el arco sobre el borde superior del diapasón, lo cual produce un sonido muy suave. ARPA En italiano: Arpa. En francés: Harpe. En alemán: Harpe. En inglés: Harp. Los instrumentos de Cuerdas punteadas de mayor importancia en la Orquesta, son dos: el arpa y la guitarra El arpa es un instrumento muy antiguo, cuyo origen se remonta al año 1200 a. de C. El Arpa de mecanismo de doble movimiento, o de concierto, de 7 pedales y 43 cuerdas, se inventó en 1810. La figura corresponde a uno de los primeros modelos, pero el arpa ha sufrido muy pocos cambios desde su cración. Es habitual en las "Orquestas Sinfónicas y de Ópera". A veces, se utiliza con excelentes resultados en su música de cámara. Su predecesora, el arpa de bastidor, de los que existe un dibujo fechado entre los siglos VIII y X, fue utilizada hasta mediado del siglo XV por lo trovadores de toda Europa. La actual data aproximadamente de 1810. Está provista de cuarenta y seis cuerdas cuya afinación es la de la escala no cromática de Do bemol Mayor. Extensión: Seis octavas y media. Material : Madera, cuerdas de tripa. Tamaño : 1.7m. de altura. La tensión que ejerce sobre el bestidor las cuerdas del arpa de concierto puede alcanzar los 680 Kg. Por medio de un mecanismo de pedales, puede afinarse cada cuerda uno o dos semitonos más alto, pero al cambiar la afinación de una cuerda se modifican todas las del mismo nombre por lo que pueden ser afinadas en Do bemol, Do. o Do sostenido. Su extensión es la siguiente: Se escribe generalmente en Fa en cuarta para la mano izquierda y en Sol para la mano derecha.   LA VIOLA Viola Italiano: Viola (s) Francés: Alto (S) Alemán: Bratsche (n) Inglés: Viola (s) Longitud: 70 Cms Este es el alto de la familia de las cuerdas. Tal como hemos indicado arriba, la palabra francesa para viola es "alto". Al igual que el violín tiene cuatro cuerdas afinadas en quintas. La viola que actualmente conocemos nace entre los siglos XVI y XVII. Su tamaño es algo mayor que el violín. Sirve de puente sonoro entre éste y el violoncello, lo mismo en el cuarteto de cuerda que en toda formación orquestal. Su timbre es muy bello aunque con tinte dulcemente opaco. Su tesitura central es la mejor y la que conserva además su verdadero carácter. Se sostiene con el brazo izquierdo en posición horizontal, al igual que el violín y se apoya su caja armónica de la misma manera que éste, o sea debajo de la barbilla. Las cuatro cuerdas se afinan en las notas do-sol-re-la (de grave a agudo subiendo en intervalos de quinta). Para su lectura musical emplea las claves de do en tercera línea y sol en segunda (ésta sólo cuando las notas están situadas a bastante altura). Su poder expresivo es notable. De acento mas bien suave, recogido y algo melancólico, se presta más a pasajes de poco movimiento que excesivamente rápidos. Entre las obras orquestales en las que tiene asignada partes importantes, figuran la Sinfonía Concertante de Mozart y el poema sinfónico de Richard Strauss «Don Quijote», ambas con carácter solístico, amén de otras muchas cuya relación resultaría excesivamente prolija. En el siglo XVII el papel de la viola se limitaba a reforzar la línea del bajo o completaba la armonía. En el siglo XVIII la viola tiene un papel más expuesto (tercer concierto de Brandemburgo). En este siglo Telemann compone el primer concierto para viola en 1731. En los cien años siguientes se alcanza la edad dorada de la historia de la viola. Se componen 150 conciertos por varios compositores como Stamitz, Hoffmeister, Zelter, Rolla... Algunos compositores violistas cuyo repertorio ha permitido el desarrollo de la viola como instrumento solista y virtuoso son: Lionel Tertis (1876-1975); Paul Hindemith (1895-1963); Vandin Borisowscki (1900-72); William Primrose (1904-82)... Las violas construidas en el siglo XVIII tenían unas dimensiones de 38 cm. para combinar su uso con el violín. En esta época aparece la scordatura que se basaba en afinar la viola más alto de lo normal. A finales de este siglo, se empezaron a construir violas grandes aunque eran muy escasas. Éstas tenían un tamaño de 45 a 47 cm. pero eran todavía de muy baja calidad. Durante el romanticismo compositores como Weber, Belioz, Wagner... destinaron sus composiciones a los salones aristocráticos en donde la viola actuaba como protagonista e interprete debido a que su tesitura débil limitada por su tamaño no la permitía hacer frente a las orquestas cada vez mayores y a los auditorios. Posteriormente hubo un periodo de experimentación por parte de los fabricantes de viola. En el siglo XIX el modelo de viola tenía alrededor de 41 cm. Este nuevo sonido y el contraste que tenía en la orquesta inspiraron a muchos compositores como: Rubinstein, Max Reger, Béla Bartok, Benjamin Britten... La viola es conocida actualmente como un instrumento de cuerda frotada algo mayor que el violín; sin embargo, con este nombre se conocía en la Edad Media a todo cordófono de arco de varias piezas y fue ésta la primera denominación utilizada para definir a los instrumentos de cuerda frotada, tanto de brazo como de pierna. Durante el renacimiento, la familia de la viola original se dividió en dos ramas: las violas "da braccio" y las violas "da gamba". Las violas de brazo quedaron relegadas a las tabernas, en donde tocaban músicas populares; mientras que las violas de gamba eran exclusivas de las cortes más refinadas. Este instrumento acabó cayendo en desuso y el violín fue sustituyéndolo por su brillantez. Los compositores preferían dicho instrumento por su amplitud sonora y la agilidad en vez de la delicadeza de las violas de gamba. En el barroco, el violín cobró la máxima importancia. La viola le gana en calidez y resonancia, y es casi tan manejable y ágil como el violín. La viola tiene una reputación menor dentro de la cuerda pero se trata de un prejuicio arrastrado desde los orígenes de la orquesta moderna (s.XIX) , cuando era asumida por violinistas en decadencia. Desde entonces ha ido ganado terreno hasta convertirse en el poeta de su grupo, asentado en la realidad de su magnífico cuerpo sonoro, el equilibrio entre el violonchelo y el violín.   EL VIOLIN Italiano: violino. Francés: violón. Alemán: violine. Inglés: violin. Portugués: violino Es el más pequeño de los instrumentos de cuerda. Tiene cuatro cuerdas afinadas por quintas del agudo al grave. Se escribe en clave de Sol y su extensión es la siguiente. El cuerpo del violín posee una forma abombada, con silueta estilizada determinada por una curvatura superior e inferior con un estrechamiento a la cintura en forma de C. Las tapas del violín se modelan con suaves curvas que proporcionan la característica de abovedado. Los aros, que van alrededor del violín dando la silueta, son de poca altura, el mástil posee cierto ángulo de inclinación hacia atrás respecto al eje vertical, longitudinal y se remata por un caracol llamado voluta. La estructura interna del violín la constituyen dos elementos fundamentales en la producción sonora del instrumento dados por la barra armónica y el alma. La barra armónica corre a lo largo de la tapa justo debajo de las cuerdas graves y el alma está ubicada justo debajo del pie derecho del puente donde se ubican las cuerdas agudas. HISTORIA DEL VIOLIN No es posible establecer con exactitud de qué instrumento (entre los de la mas remota antigüedad que conocemos) proviene el violín y si es de origen europeo u Oriental, dado que las distintas teorías que tratan este tópico se fundan en simples hipótesis. Si observamos un violín como el actual, puede inferirse, a simple vista, que el primitivo instrumento de forma compuesta, es decir, con tapas planas como la guitarra, derive lógicamente de un prototipo de forma simple con dorso corvado igual que la mandolina. En efecto una caña, la mitad de un coco vacío y la caparazón de una tortuga pueden ser los mas aptos que natura ofrece para construir fácilmente los primitivos instrumentos que consideramos los mas lejanos antecesores del violín, a saber: el Nefer egipcio, el Ravanastron indio, la Lira griega, etc. En la segunda mitad del siglo XVI el violín aparece con las mismas características que tiene actualmente, su paternidad fue atribuida a Giovanni Kerlino, Testori el viejo, Dardell, Corna Linaroli y Duiffoproucart, respectivamente Bolonienses; y recientemente por Strocchi, Antonio Bolgnesi (1485-1562) y por Oreste Foffa, a Pellegrino de Montichiari (1520.160X). El archivo histórico cremonense, en una de sus memorias aparecidas en ocasión de celebrarse el bicentenario Stradivariano redacta con acopio de documentos por Bonetti, Calvalcabó y Gualazzini, demuestra a su vez, que Andrea Amati nació entre 1510 y 1580 y que en Cremona en el siglo XVI florecía una escuela de violería. LOS GRANDES CONSTRUCTORES DEL VIOLIN Gasparo da Saló (Brescia 1542-1609) Giovani Paolo Maggini (Brescia 1580-1603) Andrea Amati (Cremona 1510-1580) Nicola Amati (Cremona 1596-1684) Antonio Stradivari (Cremona 1648-1737) Giuseppe Guarnieri de Gesú (1687-1747)   EL VIOLONCHELO            Este instrumento, que representa el bajo de la familia del violín, apareció poco después de éste, alrededor de 1560. En efecto, los bajos de la viola da braccio, construidos por los Amati, Gasparo da Saló y Maggini en las últimas décadas del siglo XVI son verdaderos violonchelos, cuya forma, derivada del violín, los distingue de los bajos de las otras familias de instrumentos de arco. Aunque su aparición es casi contemporánea a la del violín, el violonchelo tardó mucho más en imponerse ya que tuvo que soportar durante mucho tiempo la tenaz competencia del bajo de viola da gamba. La primera música dedicada específicamente al violonchelo solista fue escrita en Italia alrededor de 1689 (Ricercari e canzoni, de Domenico Gabrielli, y Sonare, de Jacchini). Hay que llegar hasta Beethoven para que este instrumento sea apreciado en su justo mérito en la orquesta El Cello o Violoncello es en esencia un violín bajo que se toca manteniéndolo de pie. Su tono es rico y sonoro, y sus cuerdas altas tiene una cualidad melódica inconfundible. El cello se adapta perfectamente tanto a la intimidad de un cuarteto de cuerdas como a una orquesta. Extensión Sonora: Tres octavas y media. Material: Su cuerpo mide 75 cm. de longitud. Origen: a mediados del siglo XVI, el cello apareció en Europa en forma de un violín de gran tamaño. Clasificación: Cordófono: es un instrumento que produce el sonido por la vibración de las cuerdas. Hasta principio del siglo XX, pocas mujeres tocaban el violonchello debido a que la posición del instrumento, entre las rodillas, se consideraba poco elegante e "impropio de señoras".

 

PLENA

 

 

HISTORIA.

 

El origen de la plena se ubica en los alrededores de la ciudad de Ponce a fines de la década de 1880, y en 1910 se escuchó por primera vez en "Joyas del Castillo", una población conformada en su mayoría por inmigrantes de San Cristóbal, Tortola, y Santo Tomás, establecidos en la isla desde finales de 1800. Un matrimonio inmigrante de esas islas, Vielka George y Titon Clark, trajo en su equipaje una guitarra y una pandereta y con estos instrumentos interpretaron un ritmo musical muy parecido al calipso del Caribe. En un primer momento, fue una expresión instrumental que se valía de guitarra, acordeón y pandero hasta que en 1907, el canto se añadió. Los músicos y amigos del matrimonio al acompañarlos fueron añadiendo nuevos instrumentos como sansa, cuatro y güiro. Esto fue creando las bases de la plena boricua. Sin embargo, historiadores puertorriqueños como Ricardo Alegría consideran esta tesis como una leyenda urbana.

 

Al igual que la bomba, otro popular estilo musical de Puerto Rico, las raíces de la Plena están en los esclavos y trabajadores de caña de azúcar, los agricultores y otros emigrantes a las zonas urbanas de Puerto Rico. El estilo incorpora las características de muchas culturas, como las de África Occidental, la española y la cubana. En ambientes populares. la plena es considerada a menudo como un "Periódico Cantado" ya que su contenido lírico puede reflejar noticias, chismes y acontecimientos históricos.

 

Muchos instrumentos han contribuido al desarrollo del sonido de la plena. Instrumentos de percusión como panderos (similar a una pequeña pandereta, sin los "jingles" de metal), güiros, congas, timbales, maracas, así como el acordeón, el cuatro y hasta grandes orquestas.

 

Importancia y evolución de la plena

La plena es una de las expresiones autóctonas más importantes de la música puertorriqueña, abarcando todo el territorio de la isla, llegando a fortalecerse incluso en círculos puertorriqueños fuera del país. La plena junto a la bomba, la trova jibara y la Danza componen los cuatro pilares de la música autóctona puertorriqueña. Sus primeros exponentes a nivel internacional son Manuel "Canario" Jiménez, Rafael Hernández Marín y Efraín 'Mon'Rivera Castíllo, entre otros. Más tarde músicos más modernos como César Concepción, Rafael Cortijo con Ismael Rivera y La Orquesta Panamericana le dieron un nuevo giro a la plena, añadiendo nuevos sonidos y llevándola a los salones de lujo en hoteles y centros nocturnos.

 

La plena se comenzó a tocar con panderos e instrumentos puramente autóctonos de Borinquen como es el caso de los tambores "Seguidor", "Punteador" y "Quinto" o "Requinto" , con afinaciones baja, media y alta. Durante la década del 1970 los "Pleneros del Quinto Olivo" revolucionaron el sonido del género cambiando para siempre la manera en que se toca el requinto.

 

Al día de hoy, la plena ha sido interpretada en arreglos modernos con los más variados instrumentos, desde violas y violines, hasta piano, flauta y todo tipo de tambores y metales de viento.

A partir de finales de la década de los setenta, salvo producciones esporádicas de Rafael Cortijo, Mon Rivera y la grabación del Lalo Rodríguez "El Niño, el Soñador y el Loco", la plena y la bomba prácticamente desaparecieron de los medios de comunicación masiva, con excepción de alguno que otro tema que gozara de alguna difusión, especialmente en los períodos navideños.

 

Sin embargo, la plena y la Bomba permanecieron como parte de la cultura de la isla gracias a la labor de grupos folklóricos como los "Pleneros de la 23 abajo", "Areito", las familias Ayala y Cepeda y los "Pleneros de la 21". Esa labor de difusión se realiza tanto en Puerto Rico y como en los Estados Unidos.

 

Las agrupaciones contemporáneas, como Viento de Agua y grupo Plena Libre innovaron en el sonido de la plena incluyendo instrumentos como la batería. En la ciudad de Ponce existen los grupos Bomplené, Tres Panderos, entre otros, que han proyectado la plena a nivel internacional. En el barrio la Cuarta se fundó el grupo "Esencia". Es una Orquesta con trombones fundada en el 1997 por Ángel "Papote" Alvarado. Principalmente graban Plena, además de "Bomba" y "Salsa".

 

Cantantes como Héctor La Voe, Pete "El Conde" Rodríguez, Ismael Quintana con Eddie Palmieri, Tito Allen con Louie Ramírez, Celia Cruz con Johnny Pacheco, Andy Montañez, Gilberto Santa Rosa, Julito Alvarado y "Del Sur al Norte", y Bobby Cruz con Richie Ray grabaron Bombas y Plenas. Orquestas como La "Sonora Ponceña", Roberto Roena y el "Conjunto La Perla" también han grabado "Bomba" y "Plena". Mención especial hay que hacer del cantautor Roberto Angleró y su grupo "Tierra Negra".

 

Incluso muchas de estas canciones se escucharon en la radio y fueron éxitos musicales: "Si Dios fuera negro"(de Roberto Angleró)(Bomba) por Tierra negra; "Quien no se siente patriota" (Plena) por Andy Montañez; "Semillita de cultura" (Plena) por Lalo Rodríguez, "Bomba de corazón" por Ismael Quintana con Eddie Palmieri; "A bailar mi Bomba" (de Arsenio Rodríguez) por Sammy González con Roberto Roena; "Bomba Carambomba" (de Rafael Cortijo) por Luigui Texidor con la "Sonora Ponceña"; "No me dejes solo" (de Jorge Luis Piloto) (Bomba) por Gilberto Santa Rosa; "Ño Mercedes"(Bomba) (de Tite Curet Alonso) por Celia Cruz con Johnny Pacheco.

 

En agosto de 2011 el Sr. Pedro Arroyo de la emisora radial de "Salsa" Z93" pautó la Bomba "Boricuas unidos" (de Hernán "Nal" Santos Ortiz) interpretada por la orquesta "Del Sur al Norte" de Julito Alvarado (CD: "Perseverancia"). La canción es interpretada por Héctor Giovanni, Luisito Carrión y Julio Voltio.

 

En el 2009 Richie Ray & Bobby Cruz en la producción "Que vuelva la música" grabaron la "Bomba", instrumental, "Fantasía Boriqueña" siendo esta una muestra del nivel al cual se puede llevar la interpretación de la "Bomba", así como de la "Plena".

 

 

              

 

                                                                                              

Joropo Entreverado.

El joropo

Joropo por Danzas Ensueños Venezolanos 

Foto Kris Mora.

El joropo es una forma tradicional de música y baile que identifica plenamente al venezolano. Antiguamente “joropo” se refería a una fiesta y con el pasar del tiempo se identifica más bien como una forma de música y baile.

El Joropo es actualmente un símbolo emblema de identidad nacional. Sus orígenes se remontan a mediados de 1700 cuando el campesino venezolano prefirió utilizar el término “joropo” en vez de “fandango” para referirse a fiestas y reuniones sociales y familiares. Fandango es un término de origen español, el cual identifica unos de los cantos y bailes más populares dentro del flamenco. El joropo parece haber tomado del fandango el sentido de la fiesta ó baile... abandonando el galanteo amoroso propio del fandango y adopta el asido de manos y los giros del vals... Así se conserva hasta ahora.

El joropo es caracterizado por ser tan mestizado como nosotros mismos, así encontramos que lo rítmico de la melodía, el acompañamiento de arpa y cuatro, y en la versificación literaria observamos la presencia europea. En la melodía independiente identificamos la presencia del negro y en la estampa de las maracas identificamos la huella indígena.

El joropo no solo es un estilo musical, también es baile y danza, y representa además una fiesta popular, es un baile alegre que divierte y reúne a sus participantes, en cada zona geográfica toma su propia esencia, y desarrolla diferentes paso y figuras en el baile, existiendo sin embargo figuras básicas que los identifican.

Las principales figuras del joropo son el valsiao, el escobillao y el zapatiao. El primero se da en el inicio del baile, en el vals las parejas se abrazan suavemente recorriendo el espacio de baile en tres tiempos propios del vals, dan vueltas rápidas en giros espirales. El siguiente, el escobillao, es una figura donde los bailarines colocados de frente mueven los pies a manera de cortos avances y retrocesos como si estuvieran cepillando el suelo. El tercero, el zapatiao, es una figura varonil y se realiza por la pareja sin soltar el abrazo o sueltas completamente como es propio en los llanos, en esa figura el hombre hace sonar sus pisadas del fuego mientras la mujer se limita a escobillar.

En el país identificamos, el joropo llanero, central y oriental. Igualmente en la región de Guayana, centro-occidental y de los andes se encuentra en cada una un tipo de joropo con características especificas que identifican la región.

El Joropo Llanero se caracteriza por tocarse con arpa de cuerdas de nylon, cuatro y maracas, sin embargo en muchas ocasiones se sustituye el arpa por la bandola llanera.

El Joropo Central se toca con arpas de cuerdas de metal, maracas y buche (voz), el cuatro como instrumento acompañante desaparece lo que da origen a una sonoridad mas melodiosa pero menos rítmica.

En el Joropo Oriental se adicionan otros instrumentos como la guitarra y el bandolín, el cuatro y algunas veces el acordeón y algunas veces la cuereta que es un tipo de acordeón pequeño de origen europeo. El joropo oriental se denomina también golpe.

Cualquiera que sea la modalidad el Joropo es nuestra música y baile tradicional más representativo, orgullo de nuestra patria y producto de nuestras vivencias y mestizaje.

Alirio Díaz ( Natalia).

Antonio Lauro, 5 valses Venezolanos (Natalia, Marabino, Angostura, Carora, Joropo)

EL VALS VENEZOLANO, ITINERARIO DE UN SENTIMIENTO

TEXTO: GABRIEL JIMÉNEZ EMÁN

 

El Gran Alirio Díaz.

Según investigaciones de Luis Felipe Ramón y Rivera, es poco probable que la manifestación del vals se haya efectuado en nuestro país antes de 1830. Esta fecha, que coincide con la muerte del Libertador y con el cese de guerra de Independencia, se toma como referencia para comenzar a hacer algunas pesquisas en torno a la manifestación de esta modalidad musical proveniente de Europa, que causó verdadero furor el viejo continente, cuando músicos influyentes del romanticismo lo ejecutaban tanto en ámbitos de cámara como en los famosos salones de baile de la clase alta, tal  el caso de los valses de Federico Chopin o Franz Liszt en un primer

momento, quienes crearon los valses llamados de Salón o Brillantes, y luego en los de Richard Strauss (El Danubio azul) en un segundo momento; justamente en Viena es donde un baile popular, el laendler, da origen al vals antes de ese año de 1830. Habría que mencionar también los Valses Nobles de Franz Schubert, músico que los denominó así para diferenciarlos de los laendlers  populares, y la famosa Invitación al Vals de Weber, una suerte de summun del vals romántico. Otros músicos clásicos europeos como Johannes Brahms (Suite de Valses), Robert Schumann (Miniaturas), Claude Debussy (La plus que lente), Igor Stravinsky (Historia de un soldado), Edward Grieg (Valse triste), Maurice Ravel (La Valse y Valses nobles y sentimentales) y Erik Satie con susGymnopedias se mostraron tentados por el género del vals, que siempre supo sobrevivir frente a los géneros considerados mayores o más complejos.

El maestro Antonio Lauro.

Las series de piezas musicales con este espíritu denominadas suites no se ejecutaban de manera independiente, sino que estaban unidas a través de sus nombres, y se trasladaron a América posteriormente para ser ejecutados de manera autónoma con los instrumentos del caso, en representaciones de comedias, óperas o tonadillas. De aquí fue de donde el pueblo las tomó y aprendió a conservarlas. Formas como la pavana, la chacona o la zarabanda eran danzas provenientes de España divulgadas en Centroamérica, mientras que bajo el nombre de fandango se agrupaba un conjunto de piezas cortas bailables, como el minué. En América Latina contamos con varios conspicuos representantes del vals como la peruana Maria Isabel “Chabuca” Granda (La flor de la canela), el mexicano Juventino Rosas (Sobre las olas) o el cubano Ernesto Lecuona (Vals azul, Vals crisantemo) que gozaron de mucha popularidad en su momento y siguen siendo considerados clásicos del vals en el continente.

Poco a poco vendrían entrando a Venezuela las respectivas melodías “valseadas” o valses populares, mientras que la corriente tradicional del folklore incorporaba golpes y  valses a dos partes concebidos como música para bailar el joropo, y permitieron apreciar un conjunto de bailes que van configurando, --en ciudades grandes como Valencia, Maracaibo, Caracas o Barquisimeto— un movimiento de expresión romántica que toma al piano como instrumento principal y configura una primera división social del vals en los salones aristocráticos, y otra de origen popular ejecutada en el caney, la plaza pública y las casas modestas con instrumentos como la guitarra, el bandolín o el cuatro.

Esta corriente popular va alcanzando otros ámbitos por parte de músicos aficionados o profesionales, donde el vals comienza a dejar constancia de su existencia, acompañado de guitarra, tiple o cuatro, mientras los músicos trabajan en sus particulares armonías, inspirados por la nueva forma.

El piano es el instrumento que propicia en la llamada corriente aristocrática del apogeo inicial de nuestro vals, mientras que la corriente popular prefiere la voz, el recurso coral acompañado de guitarra o cuatro. Entre estas dos corrientes comienza a constituirse el vals venezolano, a través de un creciente repertorio criollo, que sabe convocar una serie de modalidades y tonos melódicos propios, de improvisaciones e interpretaciones de memoria y ejecución por “fantasía”, así como la corriente popular anónima que tuvo lugar en Venezuela en décadas posteriores hasta alcanzar el siglo XX, hacen que el vals tenga un perfil claro como manifestación cultural nuestra. Cientos de valses se componen en las distintas regiones del país, en un repertorio heterogéneo que incluye piezas de factura desigual, --atemperadas en cada región geográfica del país-- pero que van conformado un expresión genuina de nuestra sensibilidad musical, que toma del romanticismo su principal nutriente. Como sabemos, la tristeza inmanente del vals, su tono que puede ser nostálgico o melancólico, expresa nuestro spleen o nuestra saudade, una mezcla peculiar de reminiscencia donde se dan cita los recuerdos dolorosos con la alegría de vivir.

                 


            


                                           


                        

Merengue Caraqueño.

Merengue caraqueño, un género bien "trancao"

Los músicos extrañan la tradición, que describen como
única en el mundo

Liliana Ochoa Breijo | ÚN .- Es difícil que alguien sepa con certeza de dónde viene el merengue caraqueño. Pero no tardan en asociarlo con la retreta o vincularlo con el sonido que generaba la Billo's Caracas Boys: suena a fiesta, esa de plaza que con el tiempo ha desaparecido.

"La mayoría de la gente no entiende lo que es el merengue caraqueño. Es un cinco por ocho. Algo único. Nada en el mundo tiene esa riqueza, esa versatilidad. Nadie puede con eso. Y si no le gusta es porque no lo sabe bailar", asegura el cantante y cuatrista criollo Rafael "Pollo" Brito.

Diego "el Negro" Álvarez, percusionista caraqueño y responsable del proyecto Rock and MAU, recuerda las palabras que Aldemaro Romero tenía para el merengue caraqueño: "Él decía que era un seis por ocho cortado o mal tocado. Esa parrandita a la que se le quito una corchea, un tiempo. Esa cosa sabrosa que tiene mucho que ver con la reacción del bailador".

El merengue caraqueño es un género bailable que dista bastante del dominicano popularizado por artistas como Juan Luis Guerra, pues es más trancado, incluso más que el ejecutado por la orquesta Billo's, fundada en 1940.

"Cuando escuchas a la Billo's, suena sutil. No es el merengue trancado de Los Antaños del Stadium o Los Cañoneros", advierte Álvarez.

Los Antaños nacieron en 1946, cuando amenizaban juegos del equipo de beisbol Cervecería de Caracas en el Estadio de San Agustín; Los Cañoneros, en 1982, con su primera presentación en la Plaza Monumental de Mérida.

Han sido ellos los encargados de revivir aquellos acordes que tuvieron su apogeo en la década de 1920: el merengue caraqueño, un género que es música y espectáculo, con su tradicional vestimenta y el clásico Canotier, ese sombrero de principios del siglo pasado.

Hoy por hoy, suena a recuerdo. Ya no se escucha en la radio y no suele contar con muchas presentaciones. "No es que no ha sonado porque a la gente no le gusta, sino que es difícil tocarlo y bailarlo", agrega Brito.

"Desgraciadamente, se pierden las cosas, así como se pierden la Paradura del Niño y otras tradiciones. A medida que desaparecen las retretas, desaparece el merengue caraqueño. Incluso Los Cañoneros se ha ido modernizando", afirma Álvarez.

Brito recuerda lo mal visto que era el merengue. Era un género rechazado por la clase social alta, era de plaza, de calle, tanto por su sonido como por la forma de bailarlo. "Cuando Cruz Felipe Iriarte hace El frutero, habla del que está en la calle", asevera.

En el siglo XXI. Para las nuevas generaciones, esos términos son ajenos. Diego "el Negro" Álvarez recuerda el proceso de producción del disco Rock and MAU, un proyecto entre la Movida Acústica Urbana y distintas agrupaciones de rock nacional y en el que 25 canciones fueron adaptadas a algún género tradicional.

"Cuando le comenté a Beto (Montenegro) -vocalista de Rawayana- que su canción Falta poco la habíamos convertimos en un merengue caraqueño, no tenía ni idea de qué le estaba hablando. Él pensó que le tocaría bailar algo a lo Sandy y Papo", cuenta el percusionista.

Beto lo admite: ni sabía de la existencia del género. "Fue la primera vez que lo tuve que cantar y entendí lo bonito y complejo que es. El hecho de haber participado en la MAU nos da esa aproximación a ritmos que no teníamos en nuestra zona de confort", explica.

Actualmente, no existe quien se encargue de ejecutar ese "cinco por ocho". Sí, Los Cañoneros están y Los Antaños del Stadium fueron declarados Patrimonio Cultural Musical de la Ciudad de Caracas en 1996, pero la capital ya no suena a retreta. Sin embargo, Brito es optimista: "Ningún músico venezolano va a permitir que se pierda el género por completo".

Aunque el cantante de Rawayana todavía no sabe de qué irá su próximo disco, ahora conoce el merengue caraqueño: "Es una opción más, un color más en nuestra paleta. Sería muy bonito hacerlo".

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Francisco Mata, El cantor de Margarita.

La Grey Zuliana. (Compositor: Ricardo Aguirre)

Historia de la gaita

Este ritmo característico del estado Zulia, que se ha transformado en la música típica de la navidad venezolana, tiene sus orígenes en diferentes géneros y posee un ritmo muy particular.Algunos afirman que es producto del legado africano, y para otros es el resultado de la influencia española. No obstante, la opinión más popular es que se trata de la fusión de estas culturas con la indígena. 

Los más entendidos en la materia señalan que la gaita zuliana es descendiente de la gaita gallega, y que los primeros pobladores del Zulia organizaban parrandas donde cantaban décimas, aguinaldos, villancicos y fandangos, siguiendo el ejemplo de los colonizadores.
 

Una de las gaitas más antiguas fue escrita en 1823 en honor a la heroína Ana María Campos, durante la batalla naval del Lago de Maracaibo.
 

Actualmente la gaita ha desbocado una gran afición en todo el país y se le han agregado variaciones que la han hecho más rica, según algunos. Para otros, se ha degenerado de su tradicional origen. La temática que manejan los intérpretes de este género es infinita y va desde cantos al amor y a figuras religiosas hasta temas jocosos y de denuncia. En los últimos años, el elemento político ha sido protagonista de muchos temas protestas; de esta manera, los gaiteros han denunciado, de una forma particular, lo que consideran injusticias cometidas contra los habitantes del país.

El dinamismo y la capacidad de transformación de este género musical venezolano le han dado su propio tiempo y espacio, y ha derribado ese viejo conflicto que hay entre tradición y modernidad. Su ritmo alegre y contagioso se ha impuesto en el favoritismo de los medios de comunicación, los comercios y el pueblo, fenómeno poco común en la música venezolana

En todo caso, es el ritmo por excelencia de la Navidad en Venezuela, y se ha convertido en un modo de celebrar, describir y denunciar una forma de vida, o una circunstancia histórica específica.

Ritmos Margariteños (Polo, Jota, Galeròn)

Polos, jotas y galerones margariteños.

Los polos y galerones margariteños son representaciones musicales típicas del oriente venezolano, en el estado Nueva Esparta son las representaciones musicales más autóctonas de la zona.

En Oriente se identifican diversos géneros musicales que están íntimamente ligados y que forman parte de fiestas y celebraciones populares, cada género tiene características que lo identifican pero en general se asemejan en ser la expresión de los sentimientos y experiencias cotidiana de los pobladores de la zona, unas alegres, otras melancólicas pero todas muy nuestras y parte importante del folklore popular.

El galerón es música de compás lento, su acompañamiento es realizado por cuatro, guitarra y bandolín, varios cantantes van alternando creando una especie de contrapunteo, las letras de los galerones usualmente se realizan en décimas y hablan de temas patrióticos, religiosos, filosóficos y sentimentales. Se utiliza en celebraciones y festividades populares, es un canto libre y se encuentra además en el estado Lara y en los Andes aunque con algunas variaciones que lo caracterizan en cada zona.

El polo es un canto mas alegre que el galerón, en el se cuentan las anécdotas del día a día de los pobladores, pescadores casi siempre, cuenta las historias del pueblo, los hechos históricos, los amores y sus caminos. Uno de los representantes más valiosos de este género musical es Francisco Mata, cantautor de origen margariteño que lleva mas de 40 años cantándole a nuestra tierra, Francisco Mata asegura que lleva como bandera que el folklore nuestro es de aquí, nada tiene que ver con España... El polo margariteño es nuestro y estamos orgullosos de esta representación musical. Definitivamente es así y aunque tenemos una gran influencia española en nuestras costumbres y tradiciones, las mismas no dejan de ser muy autóctonas y marcadas por nuestra forma de vida.

La Jota es un canto triste y melancólico que involucra temas relacionados a la pesca y el amor, se acompaña de guitarra, cuatro y bandolín, su origen se le atribuye a los españoles, pero en nuestro país está ligado al canto, se asemeja mucho a otro género llamado malagueña que se diferencia solo porque es cantada y tocada en tono menor, esta se acompaña de los mismo instrumentos que en los géneros musicales antes descritos, la malagueña rinde homenaje a La Virgen del Valle y expresa también la vida cotidiana del pueblo, los sentimientos amorosos y hechos históricos.

Tanto los polos, como las malagueñas, jotas y galerones son expresiones típicas de los pueblos orientales, escuchar cualquiera de ellos moviliza algo que nuestro corazón guarda en silencio, el amor, el día a día, los sueños y esperanzas del venezolano, de la triste melancolía de las jotas y malagueñas a la alegre tonada del polo, el amor, el mar azul, el cielo inmenso, el horizonte infinito, las garzas y gaviotas, guanaguanares y alcatraces, playas, amores, aventuras, desazones y alegrías son parte de sus letras, la música que acompaña estos cantos es asombrosa a los oídos del pescador que llega a la orilla, del transeúnte que deambula por las bellas costas venezolanas, del poblador oriental y de todo aquel ser sensible que escuche la expresión musical de nuestro pueblo a través de cuatros, guitarras, mandolinas, bandolines y canto.